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设计师还是艺术家图摄影造型资讯

2019-10-09 17:23:39来源:励志吧0次阅读

设计师,还是艺术家? (图)摄影造型资讯

即使是设计风格最纯粹,最不爱考量市场因素的时装设计师,都未必会自诩为艺术家。艺术即艺术,高级知识分子的领地,并非以市场为主导;时尚即时尚,满足人们对美与奢侈的虚荣心。然而,纯粹主义者的这番论调在今时今日似乎越来越站不住脚了。

今年初在伦敦邦德街新开张的 Louis Vuitton旗舰店里,摆放着 Michael Landy的动态雕塑,Damien Hirst设计的印花医药箱,以及村上隆设计的手袋,又一次驾轻就熟地向世人展示了时尚与艺术这两个截然不同的领域之间是如何互利互惠的。再看看米兰的 Prada基金会赞助了多少本世纪最具创意的当代艺术品。Muccia Prada和她的丈夫 PatrizioBertelli清醒地意识到:如果时尚在现代社会举足轻重,那么好的艺术品更不在话下。将两者结合起来向外界推广,将极大地提升品牌的实力和地位。

艺术界和时尚界人士之间的相互探索正在变得更加频繁和深入。正因为如此,才有了英国皇家艺术学院正在举行的这场名为《意识:时尚与艺术的双重身份》的展览。它集中展示了当代艺术家在时尚领域的表现,以及某些把时装当作艺术品来创作的设计师的杰作,从美国女摄影师和艺术家 Cindy Sherman造型多变的自拍照,到 Gillian Wearing以警服为主的制服系列。展览至少道出了这样一个有力的事实——时尚与艺术之间的跨界合作并不只是迎合消费社会的产物。

以英国艺术家 Grayson Perry为例,2004年他创作的“艺术家长袍”一度引起了极大轰动,为两个领域的跨界合作开了先河。由他乔装的师奶“Claire”则成为了时尚圈里的经典形象。艺术圈里那些自诩时尚的人,都因他的作品而收敛了嚣张气焰,原因从他的作品名《BoringCool People》里可见一斑。而他 2009年在伦敦展出的另一件作品《The Walthamstow Tapestry》里,以“麦当娜手持 Chanel2.55包,头裹 Hermes丝巾的形象”讽刺那些时尚受害者。Grayson说:“也许麦当娜自己也知道,在消费的快感过去之后,内心其实一片荒芜。 ”

正如助理策展人 Edith Devaney所言:“本次展览扎根于许多当代艺术家对服装的当代社会角色的艺术化探索。他们的创作题材不受限制,媒介形式多样。过去,艺术家不敢在媒介运用上有什么突破。而现在,跨界创作已经稀松平常。”而现今的时装设计师也纷纷玩起了纯艺术的时装创作。Helen Storey就是这么一位艺术家化和科学家化的时装设计师。她的最新作品是一些纯手工制作的裙子,采用了一种用酶制成的面料,这种面料水溶性很强,她把这一特性称作面料的“自毁性”。前不久,她把这些极度脆弱但异常美丽的裙子悬挂在绞架上,然后慢慢浸入水中将其分解,并解释说:“此举是一种艺术隐喻,让我们得以关注这样的问题:为什么在众多行业里,唯独时尚业在诸多问题的探讨与解决上有如此多的障碍?时尚是当代社会交流的重要力量。我花了三年去制作这些裙子,然后在 15秒内将它们溶解掉,想以此获得公众的关注,并打开一个关于‘未来如何运用日益稀缺的资源’的话题。还有什么比立即解决上述问题更重要的呢? ”

回眸 1990年代中期,英国艺术运动还处于起步阶段,但伴随着英伦摇滚的风生水起,两位年轻的时尚设计师Hussein Chalayan和 Alexander McQueen让整个世界为之倾倒。相比于常规的 T台发布,他俩的发布会更像是装置艺术展览,而这并不仅仅是哗众取宠的营销工具,更立场鲜明地呈现了设计师的个人风格。

在他们的时尚观里,时装设计的主题应聚焦于当代的文化课题,而不仅仅是讨论下一季流行的颜色或裙长。Chalayan说:“上世纪 90年代中期,McQueen与我非常厌倦当时的设计,于是决定另辟蹊径。那是一段迸发新能量,新事物蓬勃发展的美妙时期。 ”

如今,Chalayan除了每年在巴黎时装周上发布两个女装系列之外,也以一位杰出的艺术家身份,向全世界的收藏家销售限量的装置、电影和雕塑作品。

今年年初,Chalayan对《独立报》说:“我可能会一直研究艺术。早年的艺术学习对我的思维方式有着至关重要的影响。当年的圣马丁学院比今日开放得多,科系之间联络紧密。虽然我学的是时装设计,但各个系的学生都混在一起,互窜工作室,我切切实实地感觉自己是在艺术学院上学。 ”

Devaney这样评价 Chalayan:“他是时装设计师里的佼佼者,他的思维方式和独创力可媲美艺术家。他有着非常复杂的想法,而在他的作品里你可以清晰地看到建构这些想法的思维脉络。 ”

日本的传统仪式是 Chalayan2011年春夏系列的灵感来源,而他针对这次的展览设计出的一袭长裙则是从有 300年传统的日本文乐木偶戏里寻找的灵感。比起成衣系列,这条长裙的设计较少地考虑了市场因素和实用性,更为艺术化。

McQueen的设计也深受当代艺术影响,广采 MarcQuinn、Joel-Peter Witkin、Sam Taylor-Wood、theChapman Brothers等艺术家之所长,并与后两位合作过多次。他生前的最后一个系列是他对艺术与时尚做的最痛苦的一次磨合。他参考了一些被他奉为圭臬的大师的杰作,其中包括 Hieronymus Bosch、Hugo van der Goes、Jean Fouquet。数码印花技术在布料上重现了 GrinlingGibbons的哥特木雕和拜占庭式的华丽图像,Mcqueen用这种面料编织了精美绝伦的服装。

McQueen同时也是一位出色的行为艺术家,此次展览将聚焦行为艺术是如何影响他的时装设计。最能体现这一点的莫过于他的 1998年秋冬系列“Joan”。伴随着火焰的劈啪声,模特们行走在熔岩状的 T台上,穿越火圈。

McQueen痴迷于艺术品收藏,他曾说:“我将古典艺术与现代艺术相结合,糅合弗莱芒画派的大师之作、Chapman Brothers的作品和 Sam Taylor-Wood的作品。 ”

那么,他是否将自己视为一位艺术家呢?虽然人们早已给他套上了这样的高帽,但是他的观点却很务实:“我一直都很认同英国艺术的理念——先树立一个概念,再将它普及到让更多人可以接受的程度。但是,我也喜欢给人们做衣服,我希望我设计出来的衣服被人穿在身上。 ”

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